Enrique Metinides, el hombre que vio demasiado
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Enrique Metinides
El hombre que vio demasiado. Es el título de un documental sobre Enrique Metinides, un fotógrafo mexicano de ascendencia griega bastante reconocido, no se trata de uno de esos fotógrafos cuya obra sale a la luz por sorpresa como ha ocurrido con otros que hemos mencionado aquí. El documental es una producción de 212BERLIN y se estrenó en 2015. Además, su reconocimiento le ha llevado a tener exposiciones en países como España, Nueva York, Inglaterra y, por supuesto, México.
Sus fotografías resultan inquietantes, difíciles de contemplar pero al mismo tiempo muy atractivas por la estética de su composición. Su estética y sus encuadres parecen estudiados y todo cuidadosamente colocado para cada fotografía. Por un momento se pierde la sensación de que todo es real y que la angustia en esos rostros no corresponde a ninguna ficción.
El mismo dice: “De niño me gustaba ir yo solo al cine, y ver las películas de Edward G. Robinson y Humphrey Bogart. Pienso que el cine y la luz de esas películas fueron lo que más me impactó”.
El fotógrafo del desastre.
Sus fotos fueron tomadas en México y sus alrededores, teniendo como tema principal los accidentes, choques, incendios, desastres y todo tipo de altercados como peleas, accidentes aéreos, tiroteos y suicidios, etc. Enrique Metinides, siendo niño tuvo una típica cámara Brownie muy popular en los años cuarenta. Así empezó a tomar fotos en las calles de San Cosme, un vecindario de la ciudad de México donde vivía. Moviéndose alrededor de las estaciones de policía, de la morgue y subiéndose a las ambulancias que atendían emergencias de todo tipo, aumentó las posibilidades de obtener más fotos de drama y violencia. Tenía 12 años cuando tomó su primera foto de un cadáver y que fue publicada. Con 13 años fue asistente sin salario del fotógrafo de crímenes de La Prensa. Se le conoció como “el niño” entre los habituales fotógrafos de prensa.
http://www.enriquemetinides.com/esp/
Etiquetas: fotografía, fotografía antigua, fotografía inédita, fotoperiodismo, Fotovintage
Eladio Begega
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Por mucho que se descubran fotógrafos que dejan legados de fotos anteriores a la era digital, siguen apareciendo una y otra vez. Sus fotos nos muestran como era la vida en aquellos años, como eran las gentes, costumbres, familia y trabajo, cada uno con su estilo personal y un ojo artístico que capturó aquellos momentos que ya no vuelven. Esas escenas irrepetibles las podemos ver hoy en Internet, exposiciones, libros, etc., gracias a su descubrimiento y a la digitalización de hoy.
Un fotógrafo de pueblo.
Ahora tenemos que hablar de Eladio Begega, un fotógrafo del pequeño pueblo asturiano de El Condáu, concejo de Laviana. Eladio Begega (1928-2017) era sobre todo un fotógrafo que retrató, entre los años sesenta y los ochenta, su pueblo y sus gentes, todo lo que le rodeaba de una forma natural, tal como transcurría la vida en aquellos rostros y escenas que quedaron atrás. Juaco López, director del Museo del Pueblu d’Asturies se enteró de la existencia de Eladio Begega y ahora parte de sus fotos están en el museo y en el libro que se publicó, “Mis vecinos del Condáu”. Su legado es de 50,000 fotos reveladas y de medio millón de negativos. Como dice Juaco López, ¡cuantas sorpresas quedarán por encontrar!
Caras de la vida rural.
Desde que nació, Eladio Begega ha vivido siempre en la cuenca alta del río Nalón, haciendo de su pueblo, El Condáu, y de sus vecinos el centro del objetivo de su cámara. Entre los años 1962 y 1985 se dedicó al retrato de vecinos y familiares trabajando en la tierra, en la hierba, de ancianos, vagabundos, gitanos, en la matanza o divirtiéndose en las fiestas. Son imágenes comunes que no han interesado demasiado a otros fotógrafos de la región. Un testimonio como el que nos relata Begega es muy difícil de encontrar. Nos muestra como era la vida cotidiana en la sociedad rural durante esos años. “Ya no encuentro rostros únicos como los que encontraba antes”, se quejaba Begega, “ahora somos todos más iguales. Yo solo he querido que quedara constancia de todo lo que yo iba viendo cada día desaparecer”. Gracias a él hoy podemos ver aquellos rostros únicos, aquellos lugares y costumbres que ya han desparecido.
Mucho por descubrir.
En otras entradas hemos hablado de fotógrafos que han hecho algo muy similar, han dedicado su vida a contarnos todo aquello que veían a diario desde el anonimato. Su vida se dedicó a cosechar imágenes para que hoy alcanzaran su máximo significado y valor, cuando ya no quedan rostros de aquellos ni la vida transcurre igual que entonces. Es el caso de Virxilio Veitez y de Vivian Mayer y muchos otros que han seguido el mismo patrón. Seguiremos descubriendo lo que fotógrafos como ellos encontraron muchos años atrás, queda mucho por descubrir.
El País 10 de febrero 2017
http://cultura.elpais.com/cultura/2017/02/09/actualidad/1486640097_535806.html
http://moldeandolaluz.com/profile/EladioBegega
Etiquetas: blanco y negro, costumbrismo, digitalización, fotografía, fotografía antigua, Fotografía vintage, retrato
Robert Capa aquí y en color.
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Ha llegado al Círculo de Bellas Artes en Madrid la exposición Robert Capa en color que se inauguró en New York y anunciábamos en nuestro blog, el 21 de marzo de 2014. Se hace difícil contar nada nuevo sobre Robert Capa y su trayectoria fotográfica, sobre sus fotos en blanco y negro, o su presencia en los reportajes de guerra y las publicaciones en revistas y periódicos de todo el mundo, pero ahora, con las recientes exposiciones de sus fotos en color hay otro escenario que se abre a nuevos debates y opiniones.
¿Robert Capa, color o blanco y negro?
La incursión en la fotografía en color de Robert Capa coincide con el final de la guerra, lo que le lleva a enfocarse en otro tipo de temas y con otra sensibilidad. Como resultado Capa produce otro tipo de imágenes. Su prodigioso talento para la fotografía en blanco y negro toma un giro para adaptarse al nuevo medio. En sus viajes Capa fotografía en color la vida y las gentes de muchas grandes ciudades, algunas de las cuales fotografió en blanco y negro en plena guerra. Con el uso del color Capa se adapta a un escenario diferente en el que la audiencia esta más interesada en el entretenimiento y en descubrir nuevos lugares.
La Fotografía en color en tiempos de paz.
Capa viene a contar lo que ve en un mundo en paz, esta vez en color. En esta etapa Capa ofrece al público una visión de estilos de vida glamurosos que giraban en torno a la fotografía en color. En 1950 capturó escenas de estaciones de esquí en los Alpes Franceses y Austria. También en Biarritz y Deauville. La moda en la Place Vendôme y a orillas del Sena. Capa también fotografío actores, actrices y directores de cine como Ingrid Bergman, Orson Wells, John Huston, Ava Garner, Humphrey Bogart, entre otros. Escritores como Ernest Hemingway. Además de algunas interesantes fotos de Picasso en la playa. La exposición del círculo de Bellas Artes de Madrid, Capa en color, contiene además de fotografías, notas, diarios, revistas, publicaciones de su época, etc.
Hay muchos más sitios donde encontrar a Capa en color, como en Art Blart, https://artblart.com/2016/05/19/exhibition-capa-in-color-at-jeu-de-paume-chateau-de-tours/
Ya hemos hablado en este blog de Capa cuando la aparición de la famosa maleta mexicana, 26 Junio de 2011, ahora lo hacemos sobre su legado de fotografías en color. Quizá sigamos descubriendo más nuevos aspectos de su legado. De una forma u otra seguiremos hablando de Capa.
Hablando de recuperar negativos, recuerda que puedes visitar www.fotovintage.com para digitalizar tus fotos antiguas.
Etiquetas: color, digitalización, Exposición Robert Capa, fotografía, negativo, Robert Capa, Robert Capa en Círculo de Bellas Artes
Exposiciones Korda y Strand
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Si por algo se describía Alberto Díaz Gutiérrez, conocido como Korda, era por su obsesión por captar la belleza femenina. Quizás ese fue el inicio de su extenso porfolio de sensuales mujeres cubanas y brasileñas. La moda, la belleza y los juegos con las luces y sombras destacaron en su obra, hasta que la Revolución Cubana no supo ver la belleza artística y tuvo que girar hacia una visión más social, rural y militar. De esa etapa nacería su fotografía más popular: la del Che Guevara posando con magnitud y que daría lugar a tantas estampaciones con su tez.
Con motivo de la celebración de PhotoEspaña, que este año se centra en las obras latinoamericanas, se expone hasta el 6 de septiembre una selección de 60 fotografías en “Korda, retrato femenino”. Las instantáneas, todas en blanco y negro, fueron tomadas entre 1952 y 1960, entre las que hay varias inéditas.
Además, la Fundación Mapfre también acoge en la Sala Bárbara de Braganza hasta el 23 de agosto una antología de la obra de Paul Strand, uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Durante toda su vida, el fotógrafo neoyorkino se centró en el estudio y la práctica de la fotografía como herramienta para retratar el conflicto humano. Los artistas de la vanguardia y los movimientos sociales fueron su especial inspiración llegando incluso a la abstracción artística. La Fundación Mapfre cuenta con más de un centenar de fotografías en sus archivos desde hace cuatro años y ahora expone seis décadas de la vida artística de Strand, fallecido en Francia en 1976.
Etiquetas: exposición, fotografías, Fotovintage, Fundación Mapfre, Korda, Paul Strand, PhotoEspaña
Cartier-Bresson exposición
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Etiquetas: digitalización, Fotografía vintage, Fotovintage, negativos, restauración